NubeAzul: La psicología del Genio: Armando Reverón...!
Armando Reverón: El Genio Detrás Del Arte
Armando Reverón, el pintor venezolano más brillante
del país del siglo XX, precursor del arte conceptual, conocido como el maestro
de La Guaira; tras ser internado en varias ocasiones por una crisis psicótica
falleció en el Sanatorio San Jorge, el 18 de septiembre de 1954.
La vida de Reverón se dividió en varias etapas:
La azul (1920), influenciada por el pintor Nicolás
Ferdinandov.
La blanca (1924), en la que exploró los efectos de
la luz, el crítico e intelectual venezolano, Alfredo Boulton, fue quien le colocó
este nombre a esta etapa de la pintura del artista.
La sepia (1940), en la que dedica sus trazos a
reflejar el litoral y el puerto de La Guaira y en donde los tonos marrones del
soporte del coleto, constituye el valor cromático dominante de la composición,
señala la historia.
La artista Sol Rococuchi, quien destaca que no se
puede negar que las creaciones de Armando Reverón, también conocido como el
“Loco de Macuto’‘, son extraordinarias, señala que “es el primer artista
verdaderamente venezolano que existió, porque él estudió afuera como todos los
artistas que tenían la costumbre de estudiar afuera y venían para acá a hacer
lo que se hacía allá. Pero en Macuto comenzó a crear un arte autóctono”.
Reverón nació el 10 de mayo de 1889 en Caracas,
según testimonios de la época, fue dado en crianza a un matrimonio de Valencia,
los Rodríguez Zocca, quiene se ocuparon de su primera educación. Sin embargo,
fue su tío-abuelo materno, Ricardo Montillo, quien contribuyó a despertar su
vocación artística.
Estudió en la Academia de Bellas Artes y por
recomendación de sus profesores, en 1911 obtuvo una pensión de estudios en
Europa donde tomó contacto con la pintura impresionista.
En 1915 regresó a Caracas para intervenir
informalmente en las actividades del Círculo de Bellas Artes, del cual se le
considera un representante.
Reconocido fue el método de este artista que en su
búsqueda de una percepción más profunda de la naturaleza, que lo llevó a
desarrollar procedimientos y materiales que se adecuaran a la forma de representar
el paisaje bajo los efectos del deslumbramiento producido por la luz directa
del Sol.
Juanita, su musa
En 1918 Reverón conoce a Juanita, quien será su
compañera hasta el momento de su muerte y mas allá, porque ella fue su musa, su
inspiración para varias de sus obras.
“Reverón gustó de Juanita al verla, y mientras
servía la cena le agarró la pierna y le susurró: ‘Esta noche me meto en tu
cuarto’. Dicho y hecho. En la madrugada se la llevó para un hotel en Villa de
Cura, de allí a La Guaira y luego, a compartir su vida cuando levantó El
Castillete“, según refiere el escritor Juan Liscano en su libro El erotismo
creador de Reverón.
Juanita murió de un paro cardíaco en el Hospital
Vargas de La Guaira en agosto de 1972.
La película
Bajo la dirección de Diego Rísquez, en 2010 fue
estrenada en la gran pantalla venezolana una película basada en la vida de
Armando Reverón.
La cinta fue protagonizada por el actor Luigi
Sciamanna, la música estuvo a cargo de Alejandro Blanco-Uribe y el guión quedó
en manos del escritor Armando Coll.
Toda la obra de Reverón deber ser leída como un
camino, desandado, de lo representable, que se dirige hacia su pureza, hacia el
despojo de cualquier exceso, en un continua transmutación.
El Retrato de Casilda, la Figura bajo un uvero, el
retrato de Juanita (1920-1922) notamos que el azul se diluye en una ráfaga que
ya apunta a esa luz apasionada que hace a toques de sus brochazos, que se hace
golpe y tela.
La Trinitaria (1922) está apunto de ser tragada por
la sobre-luz, y los Uveros azules (1922) recuerdan el efecto de arena en los
ojos que nos acerca al extrañamiento. En el polvo levantado de muchedumbre en
Fiesta en Caraballeda (1924), en el batir de los Cocoteros en la Playa (1926),
en la desaparición tras la tela porosa que como la arena borra las huellas que
se dejan en Rancho en Macuto (1927), en el Playón (1929) y en la ironía
bailarina de carnaval translúcido de Cocoteros (1931), se observan las mismas
constantes; los árboles, rostros, cuerpos y paisajes van difuminándose, y toda
presencia referencial parece dormir en el poético espacio de la atenuación y el
desvanecimiento.
La vida bohemia en la que vivió eternamente Armando
Reverón, le permitió a este genio de la pintura realizar una obra que hoy en
día es reconocida por todos los críticos de arte a nivel internacional,
rompiendo los moldes clásicos de la pintura venezolana.
Fuente: https://artefinalradio.com.ve/armando-reveron-el-genio-detras-del-arte/
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| Visión general creada por IA
La psicología del arte estudia la creación y
la apreciación artística desde una perspectiva psicológica. La psicología
de los artistas destaca rasgos como la apertura a la experiencia, la
introversión y la persistencia.
Rasgos de personalidad de los artistas
·
Apertura a la experiencia
La curiosidad, el deseo de
descubrir, el aprecio por lo bello y la voluntad de expandir horizontes.
·
Introversión
Los artistas dedican mucho
tiempo a estar en soledad, creando su propio espacio y tiempo para desarrollar
sus trabajos creativos.
·
Persistencia y
determinación
Los genios suelen enfrentarse a numerosos obstáculos y fracasos, pero su
voluntad inquebrantable les impulsa a seguir adelante.
Otros rasgos de personalidad de los artistas
·
La necesidad de desarrollar una sensación de
unicidad y originalidad.
·
La motivación, que puede ser favorecida por la
autonomía, el valor y la competencia.
La psicología del arte y la estética
El Centro Eleia propone que
la experiencia creativa y la percepción del arte son dos caras de la misma
moneda.
Contribuciones a la psicología del arte
Gustav Fechner, Sigmund Freud, la escuela de la
Gestalt, Lev Vygotski y Howard Gardner han sido trascendentales para el
desarrollo de esta disciplina.
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Descifrando la
personalidad de los artistas: más allá del mito del genio
Published: January 29, 2024 10.04pm GMT
En la constante búsqueda de comprender a los artistas y su genialidad, a
menudo los colocamos en un pedestal. Asumimos que son seres de otro planeta con
pensamientos incomprensibles. Este mito, aunque común, nos aleja de todo
aquello que comparten con nosotros. Nos hace sentir que sus éxitos y legados
están fuera de nuestro alcance.
Desmitifiquemos entonces la idea de que son radicalmente diferentes y
analicemos algunos rasgos que conectan su genialidad con la experiencia humana.
Conexiones inesperadas: la personalidad de los genios
Desde mi dedicación al estudio de la personalidad y personajes
relevantes de la historia, he investigado durante años en profundidad la figura de Beethoven desde una
perspectiva psicológica, así como la literatura sobre la psicología
que hay detrás de los más creativos.
Aunque cada artista es único, hay ciertos rasgos y patrones en sus
personalidades que merecen nuestra atención. Cuando comprendemos estos rasgos,
podemos acercarnos a su mundo de creatividad sin sentirnos unos extranjeros.
Extroversión e introversión: el equilibrio
necesario
Los artistas, en líneas generales, tienden a ser principalmente
introvertidos. Esto se debe a que dedican importantes cantidades de tiempo a
estar en soledad. Crean su propio espacio y tiempo donde desarrollar sus
trabajos creativos. En el ruido y caos de la sociedad no podrían hacerlo. Esto
no quiere decir que no busquen momentos para socializar o que no experimenten
alegría cuando se encuentran rodeados de personas queridas. Como en todo ser
humano, el equilibrio es necesario.
Pablo Picasso es un
buen ejemplo. En su apartamento de Montparnasse (París), se hizo con el estudio
más grande para trabajar, y prohibió a todo el mundo entrar sin su permiso.
Allí se rodeaba de sus materiales de pintura, numerosos artículos de lo más
variopintos, y sus mascotas: un perro, tres gatos y una mona. Trabajaba hasta
el anochecer y, aunque agradecía las visitas y procuraba ser buen anfitrión,
detestaba las excesivas distracciones.
Picasso también socializaba. Aquí, en el centro, junto a
Modigliani y André Salmon delante del Café de la Rotonde, París. Imagen tomada
por Jean Cocteau en Montparnasse, París, en 1916. Modigliani Institut Archives
Légales, Paris-Rome
Responsabilidad y caos: navegando entre orden y
ambición
El concepto de responsabilidad en los artistas puede malinterpretarse.
Se suele asociar la responsabilidad con el orden y la organización, y se tiende
a percibir a los artistas como algo caóticos o despistados. Sin embargo,
cuentan con otros aspectos propios de la responsabilidad, como la necesidad de
logro, fuertes deseos de superación y una alta disciplina para conseguir sus
metas.
La artista mexicana, Frida Kahlo, pese a sus
problemas de salud en la infancia y especialmente tras el accidente de autobús
a sus 18 años, que la dejaría postrada en la cama, incrementó sus esfuerzos por
sacar adelante su obra y dejar un legado de arte y de ejemplo al mundo. Esto
también tiene que ver con la responsabilidad de los artistas.
Neuroticismo: sensibilidad y estabilidad emocional
El director de orquesta y compositor Leonard Bernstein alternó su
carrera con una vida personal compleja. Bart Molendijk / Anefo
La relación entre artistas y enfermedades mentales ha sido objeto de
especulación. Es cierto que muchos artistas muestran intensidad en la expresión
de sus emociones o cuentan con una historia de inestabilidad o dificultades
psicológicas. Sin embargo, la ciencia de la psicología y en
especial la rama de la personalidad no respalda que cuanto mayor sea el
neuroticismo, mayor habilidad artística desarrolla una persona.
La sensibilidad emocional no siempre se traduce en inestabilidad. Esto
no quiere decir, por otra parte, que los artistas con dificultades emocionales,
traumas o situaciones dolorosas no lo usen en la expresión artística o que su
arte no sirva como recurso para digerir mejor sus estados.
La cantautora norteamericana Mary Gauthier publicó hace poco en su
libro Saved by a song su
historia de traumas y adicciones y cómo encontró en la música y la creación de
canciones su salida y su sentido vital. Goza en la actualidad de una buenísima
salud mental que refleja en sus actuaciones musicales y en su manera de
interactuar con el público .
Agradabilidad: la delicada balanza de la
originalidad
El rasgo de la agradabilidad, que implica la confianza en los demás, el
deseo de cooperar y la modestia, puede parecer bajo en los artistas. Su
inclinación hacia la soledad y su dedicación a su trabajo pueden crear una
imagen de ellos como poco amigables y desconfiados.
Sin embargo, esto no implica falta de simpatía o egocentrismo. Aquellos
que se dedican al arte necesitan desarrollar una sensación de unicidad y
originalidad. Esto les impulsará a mostrar su arte al mundo y ganarse la vida
con ello. Esto que definimos como el autoconcepto creativo a
veces se malinterpreta como arrogancia.
La directora de cine Greta Gerwig observando en la pantalla del
ordenador algo rodeada de algunas intérpretes de la película como Margot Robbie
(a la izquieda). FilmAffinity
En una entrevista, el bailarín y coreógrafo Nacho Duato insinuó la necesidad de
separarse de los demás para crecer personal y profesionalmente. Reconocía, a su
vez, el valor de su trabajo desde una postura modesta, definiéndose a sí mismo
como “artesano del movimiento”.
Apertura a la experiencia: la clave de la
creatividad
El rasgo más distintivo en los artistas es su apertura a la experiencia.
Esto es la curiosidad, el deseo de descubrir, el aprecio por lo bello y la
voluntad de expandir horizontes. Ser abierto a nuevas experiencias permite que
surjan ideas frescas y originales, impulsando la innovación en el mundo del
arte.
Un ejemplo clásico es el compositor alemán Beethoven. Este siempre
respetó de dónde venía y lo que había aprendido. Pero necesitaba probar y
experimentar hasta dónde podría llegar. Pedía a los fabricantes de pianos que
añadiesen teclas a los instrumentos, y desafiaba las convenciones de la música
de la época, más predecible y, por tanto, cómoda para el oído. Una de sus
novedades fue que incluyó el primer coro en una sinfonía –la Novena, de cuyo
estreno se cumplen este 2024 dos siglos– que hasta entonces eran exclusivamente
instrumentales.
Más allá de los mitos, una humanidad compartida
Como hemos visto, la personalidad de los artistas, aunque única,
comparte similitudes con la experiencia humana común. Tal vez, al explorar
estos rasgos, descubra que usted también alberga una chispa creativa que merece
ser expresada.
La principal diferencia entre un artista y aquel que no muestra su arte
puede ser la valentía de escucharse a uno mismo, observarse y atreverse a
mostrar lo original que hay en su interior, como decía Claude Monet: “Penetrar
en mi arte y liberar mi personalidad en él”.
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